5x5Castelló2010 Premi Internacional d'Art Contemporani Diputació de Castelló

Eugènia Balcells (Barcelona, 1943 / España)
FOR / AGAINST, 1983
Selección de textos y voz: Peter Van Riper. Película en DVD, color, sonido, 3’
Animación a partir de sobreimpresiones de imágenes de la televisión. Esta obra captura de forma subliminal la violencia de las imágenes informativas y publicitarias de la televisión comercial. Nos permite ver la manipulación de los mensajes políticos y publicitarios y nos muestra la violencia, el consumo desmesurado y el esperpento de mundo que estamos creando.
El audio está contrapuesto a las imágenes y consiste en la lectura de una serie de pensamientos esperanzadores y positivos, ideas sabias de filósofos y artistas.
Davide Balliano (Torino, 1983 / Italia)
The Heart of Your Mother for My Dogs, 2009
Instalación de vídeo de alta definición y 2 monitores, color y b/n, sonido, 8’49”, loop
El proyecto toma su título de la letra de una antigua balada italiana que cuenta la historia de la tormentosa pasión de un hombre por una malvada mujer que exige de aquel unas pruebas de amor cada vez más crueles. Una de las primeras peticiones de la mujer al hombre es:«tráeme el corazón de tu madre para mis perros». Esta metáfora de una acción inverosímil que nos aparta de cualquier posible relación social representa la segunda parte de la investigación que subyace tras esta obra. La primera se basa en una charla que Balliano mantuvo con un viejo exorcista católico.
La conversación giró en torno al hecho de que las personas que sobreviven a un exorcismo únicamente recuerdan haberse encontrado solos, en un espacio oscuro y frío.
Una descripción que el artista interpreta como una definición biológica de la tragedia y que constituye la imagen culminante de la obra.
Ricardo Basbaum (São Paulo, 1961 / Brasil)
Diagrams, Proyecto en progreso desde 2003
Vinilo autoadhesivo, pintura mural
Compuesto de palabras y líneas, el diagrama es un tipo de dibujo que media en el flujo dinámico que se da entre vocablos e imágenes, entre espacios literarios y plásticos, etc. Habría que contemplar el diagrama como una pieza estética autónoma, ya que líneas y palabras se interconectan cuidadosamente en la superficie complaciendo a la mirada con un mínimo de movimiento, vibración y velocidad. El fondo monocromo intenta relacionar el diagrama con la arquitectura del lugar, proponiendo a la vez un espacio sensorial intensivo en el que involucrar activamente al lector/espectador. Pero pronto, ese lector/espectador se ve atrapado por la sensación de que el diagrama le remite a otro lugar. Este efecto diagrama tiene como objeto señalar que las obras de arte no deben ser un fin absoluto en sí mismas sino producir conexiones concretas con su espacio exterior: esa voracidad conectiva —que invariablemente apunta a las relaciones que se encuentran ahí fuera— indica que en estos momentos se accede al éxtasis sensorial como próximo eslabón o conexión y no a través de sensaciones puramente estéticas.
Joshua Callaghan (Doylestown, PA, 1969 / EE.UU.)
The One Hundred Year Anniversary Commemorative Ford Model-T Lamp and Alarm Clock, 2009
Camas de cobre y lámparas encontradas, relojes, cobre de acero plateado, hardware, luces eléctricas y alfombra
Joshua Callaghan aspira a que esta obra sea un monumento al siglo americano. Su propuesta es una representación escultórica a tamaño real de un Model-T, la icónica máquina que, al innovar la línea de producción en masa, puso el poder del Manifest Destiny —la idea que subyace a la expansión territorial del los Estados Unidos— en manos del hombre de la calle.
En los cien años transcurridos desde el lanzamiento del Model-T, América del Norte ha creado una infraestructura de carreteras y autopistas que eclipsa cualquier otro proyecto en la historia de la humanidad. Nos hemos convertido en fieles servidores del automóvil y de su hábitat, que construimos, mantenemos y, tímidamente, compartimos. El coche nos ha domesticado.
Para conmemorar el centenario de esos acontecimientos, Callaghan ha construido un vehículo a partir de objetos domésticos, lámparas y mobiliario de línea victoriana. La materia prima consiste en falsas antigüedades de latón, unos objetos que nos remiten a una era más sencilla y más optimista de expansión y prosperidad americana.
Alejandro Cesarco (Montevideo, 1975 / Uruguay)
Zeide Isaac, 2009
Película de 16mm transferida a DVD, color, sonido, 6’
Zeide Isaac, que significa abuelo Isaac en yiddish, es un filme de 16mm transferido a vídeo. Alejandro Cesarco escribió el guión basándose en la historia de su abuelo durante el Holocausto. De una manera explícita, la propuesta aborda las posibilidades, limitaciones y responsabilidades del testimonio y su papel en la construcción de la memoria personal y colectiva.
La superposición de voces narradoras y el paso del tiempo entre el acontecimiento y su narración, entre la experiencia de primera mano y la tercera generación, se encuentra implicada alegóricamente en el tránsito de su abuelo de testigo a actor.
Anne-Marie Cornu (Poitiers, 1961 / Francia)
Titta, 2005
Fibra óptica, fibra de carbono, películaen DVD, vídeo proyector
Varias películas se proyectan con un vídeo proyector. Delante de la lente del proyector se encuentran un amasijo de hilos de fibra óptica que captan la luz. Las imágenes son invisibles pero todos los elementos que las constituyen, tales como la intensidad de la luz, su color, sus movimientos, son perceptibles y circulan a través de los hilos. Esta circulación proporciona una pulsación particular al dibujo formado por la masa de hilos de fibra óptica.
El haz luminoso se despliega en el espacio a través de tres círculos de tamaño creciente, pasando de 20 a 200 cm. Cada hilo de fibra dibuja, a partir del objetivo del proyector, una trayectoria que finaliza al alcanzar los límites del espacio en el que se encuentra, penetrando en las paredes, el suelo o el techo.
Cada presentación constituye una nueva expansión de este dibujo espacial.
Nikhil Chopra (Mumbai, 1974 / India)
Yog Raj Chitrakar: Memory Drawing V, 2008
Documentación en vídeo de performance en vivo, color, sonido, 9’ 29’’
La performance en vivo es fundamental en la práctica artística de Nihkil Chopra. El guión o la partitura de sus performances gira en torno al dibujo. Yog Raj Chitrakar, uno de los personajes que Chopra interpreta, nos remite a un dibujante o paisajista victoriano o de comienzos del siglo XX que se embarca en expediciones de exploración para realizar unas crónicas del mundo utilizando el dibujo como medio para documentar lo que ve. El personaje de Yog Raj Chitrakar (Chitrakar quiere decir, literalmente, creador de imágenes) se inspira vagamente en el abuelo del artista, Yog Raj Chopra, un pintor paisajista que entre los años cincuenta y setenta de su vida se dedicó a reflejar en sus cuadros la majestuosidad del valle de Cachemira.
Las acciones de Chopra implican lavarse, bañarse, comer, beber, dormir, vestirse, afeitarse y crear un dibujo de gran tamaño en carboncillo y tiza, que sirve de documento del instante presente, de registro de un paisaje cambiante. El espectáculo se despliega en unos detalles rituales que forman parte integral de las acciones, convertidos también en herramientas con las que proyectar la transformación.
Marcelline Delbecq (Évreux, 1977 / Francia)
Rapture, 2007
Transparencia en color en caja de luz (30,5x63,5 cm), pieza sonora, voz de Kim Gordon, 4’11”
Rapture es una instalación minimalista consistente en una caja de luz panorámica colgada en una habitación en penumbra. Un relato narrado por Kim Gordon, vocalista de Sonic Youth, escuchado a través de los auriculares, nos llena los oídos de una hechizante presencia. Con su singular estilo narrativo, la narradora va desgranando la historia de la obsesiva visión —mitad realidad, mitad sueño— de un hombre cuyo destino la propia imagen se encargará finalmente de revelar.
Rapture utiliza, por ejemplo, la fotografía de una derruida casa de playa californiana como marco visual de una desasosegante y aparentemente no relacionada narración. Sin explicar el origen del desastre, una grabación sonora va hablándonos de la presencia-ausencia de una entidad femenina indeterminada que habría visitado a un embelesado personaje masculino. Moviéndose entre la brillante imagen y la voz de Kim Gordon, el espectador atento va surcando todas esas incertidumbres, a un tiempo cautivado y tentado de ir llenando huecos siguiendo su propio impulso.
Extracto de Remarks on the Contemporary Aesthetic of Ruins: Catastrophic Fragments and Other Dialectical Traces of Time Passing, de Beatrice Gross, publicación de la Jan Van Eyck Akademie de próximo lanzamiento.
Thea Djordjadze (Tbilissi, 1971 / Georgia)
Endless Enclosure, 2009
Madera, chapa, yeso, linóleo, pintura. Dimensiones variables
Aunque ha realizado performances y ha estado implicada en proyectos musicales, Thea Djordjadze se dedica, ante todo, a crear escultura. En sus esculturas a menudo utiliza materiales perecederos, frágiles, cotidianos —como yeso, cerámica, silicona, estropajo, cartón, textiles o jabón— derivados de un vocabulario de domesticidad y posiblemente alusivos a la condición femenina. Las alacenas, vallas, paredes o contenedores que sostienen o encierran los objetos escultóricos conforman unas estructuras de madera y metal, sencillas pero delicadas, que contrastan con fuerza con las formas orgánicas y las superficies «inacabadas» de las piezas escultóricas de escala modesta que se apoyan contra la pared, se colocan sobre estanterías o cuelgan de unas rejas. Esas configuraciones pasivo-agresivas de objetos contradictorios, pero recíprocamente dependientes, hacen una referencia críptica y elíptica a la escultura de la modernidad clásica.
Omer Fast (Jerusalén, 1972 / Israel)
Take a Deep Breath, 2008
Instalación de vídeo de alta definición, 2 canales sincronizados, color, sonido, 27’
Un día de verano de 2002, Martin F. se encontraba cerca de una tienda de falafel de Jerusalén que explotó. Paramédico de formación, se precipitó adentro para ayudar y descubrió el cuerpo de un joven en el suelo. El muchacho había perdido las dos piernas y un brazo, pero mantenía los ojos abiertos y la mirada enfocada. Esperando un milagro, Martin F. decidió administrarle la respiración boca a boca. Al cabo de unos minutos, el joven cerró los ojos y expiró. Una muchedumbre de mirones se había congregado fuera y la policía apareció. Querían saber cuántas víctimas había en el interior del establecimiento. Al responder que en la tienda sólo había un cadáver, Martin F. se dio cuenta de que el hombre que acababa de dejar dentro era el terrorista suicida.
Terike Haapoja (Helsinki, 1974 / Finlandia)
IN AND OUT OF TIME, 2005
Instalación de vídeo monocanal, color, sin sonido, 4 h 41'
Cuando una criatura muere, su tiempo interior cesa. Deja de vivir el tiempo, convirtiéndose en un objeto dentro del fluir temporal de otros. Fotografiar un cuerpo muerto, como los primeros fotógrafos hacían en los campos de batalla o en los cementerios, duplica su ausencia. El otro está muerto y en la fotografía muere hasta la misma muerte.
La video instalación IN AND OUT OF TIME muestra un díptico de un ternero que acaba de morir. En la imagen de la izquierda vemos una grabación del animal retratado con una cámara de vídeo corriente. A la derecha, el ternero aparece visto a través de una cámara infrarrojos. Los vídeos se encuentran sincronizados, y conforme el cadáver del ternero se enfría, su imagen en infrarrojos se desvanece. El tiempo de grabación original de 7 horas se hace visible como código temporal durante todo el vídeo. La duración del vídeo proyectado es de 4 horas y 41 minutos. Resulta imposible determinar el momento real de transformación, es decir, aquel momento en el que se interrumpe la duración interna del animal.
Terence Koh (Pekín, 1980 / China)
What is Belief? Truth?, 2007
Escultura en técnica mixta de 6 piezas
What is Belief? Truth? gira en torno a los gestos de los doce apóstoles en La Última Cena de Leonardo da Vinci. Terence Koh extrajo los gestos y los expandió, dotándolos de una forma viviente similar a la de un hormiguero, todo blanco. Las obras forman parte de un corpus mayor (que incluye un filme, esculturas, pinturas y una performance) bajo el concepto más amplio de «Dios».
Rogelio López Cuenca (Nerja, Málaga, 1959 / España)
Vivir en los pronombres, 1993
Vídeo instalación, 3 monitores, color, 120’
Vivir en los pronombres forma parte de una serie de trabajos reunidos bajo el nombre de Home Syndrome (el síndrome del hogar), recurriendo a la homofonía con la expresión anglosajona Home, Sweet Home. Se trata de un poema en vídeo que tres monitores reproducen a ritmos distintos, de modo que el desfase resultante da lugar a combinaciones inéditas y a secuencias imprevistas, incluso para el propio autor. En este videopoema el artista nos habla de los sueños y fracasos, tanto colectivos como individuales, y de las fantasías, las frustraciones y contradicciones tanto intelectuales como comerciales generadas por la necesidad humana de habitar en algún lugar.
David Maljkovic (Rijeka, 1973 / Croacia)
Lost Review, 2006-2008
25 Collages
Lost Review incluye fragmentos de las reseñas anuales publicadas por la Feria de Zagreb y otras procedentes de otros periódicos que se hicieron eco del gran éxito comercial y económico que la feria registró durante los años sesenta.
Las antiguas imágenes de la Feria de Zagreb se yuxtaponen con otras de parques de atracciones actuales. La Feria de Zagreb alcanzó su cénit en la década de los sesenta, cuando funcionaba como importante eslabón económico entre el Este y el Oeste. Con sus pabellones nacionales, era, en sí misma, un «mundo a escala reducida». Aquella fue su era dorada.
Valiéndose del collage, Lost Review crea unos huecos entre el pasado y el presente, reflejando al hacerlo una pérdida de optimismo, el vacío de los exhaustos pabellones, el fracaso, pero sin abandonar el intento por hallar, en esos mismos huecos, la promesa de un comienzo renovado.
Pascale Marthine Tayou (Yaoundé, 1967 / Camerún)
Le Verso Versa du Vice Recto, 2000-2007
Papel, barra de metal y alambres metálicos. Dimensiones variables
Para el artista, esta obra es un monstruo amorfo que todos pueden identificar y con el que jugar o a quien convertir en su enemigo. Se trata, en realidad, de una reacción frente al sistema administrativo, una oposición a un laberinto de normas surgidas para dominar a su amo. La pieza instaura un discurso, una lírica, un relato desde la periferia contrario al establecimiento de una interconexión global desprovista de leyes y creencias.
Eva and Franco Mattes 0100101110101101. ORG (Brescia, 1976 / Italia)
Reenactment of Gilbert&George’s the Singing Sculpture, 2007
Documentación en vídeo de alta definición de performance online en videojuego
Es en el contexto del remix y el remake del universo de Internet donde la conversación sobre reconstrucción, recreación y reactivación del arte de la performance adquiere sentido. Las Synthetic Performances (2007-en progreso) de Eva and Franco Mattes, sus recreaciones de performances históricas de los años sesenta y setenta, representan a la perfección el fenómeno al que aludimos al materializar en existencia digital experimentos artísticos preexistentes.
Las performances originales de Vito Acconci, Marina Abramovic, Gilbert&George o Chris Burden se tornan idiomáticas al quedar todos ellos reducidos a la misma estética básica del videojuego en 3D y presentarse dentro de un idéntico paisaje de animación.
Los interrogantes sobre la sexualidad, la violencia o el cambio social planteados en las obras de partida continúan presentes aquí, bajo la superficie dibujada, pero con la adición ahora de problemáticas procedentes del Net Art relacionadas con el plagio, la originalidad, la reproducibilidad y la autenticidad.
Extracto de Don’t Look Back de RoseLee Goldberg.
Michèle Métail (París, 1950 / Francia)
Gigantexte Nº2: Zone pavillonnaire, 1981 («Urbanización privada»)
523 acrílicos sobre lienzo
El título francés Gigantextes juega con los vocablos gigantesque (gigantesco) y texte (texto). Se trata de un conjunto de obras que indaga en los aspectos visuales de la palabra escrita. El espacio que suele destinarse a texto se ha ampliado y extraído de la página para reestablecerse en ese punto en donde lo visible y lo legible se conectan. Ahí, el texto puede recibir también la consideración de imagen. El uso del color permite diversos niveles de lectura en un enfoque que continúa estando al servicio de la construcción de significado.
El término francés pavillon puede significar casa o bandera. Esta pieza muestra una lista de expresiones en las que aparece la palabra utilizando el alfabeto del código internacional de banderas de señalización que se emplea en la comunicación náutica. En este código las 26 letras del alfabeto se representan empleando cinco colores: blanco, azul, rojo, amarillo y negro.
El de «Urbanización privada» es un término utilizado en urbanismo que alude a construcciones similares y construidas en línea recta a lo largo de la calle o carretera.
Hiroharu Mori (Yokohama, 1969 / Japón)
Re:, 2009
Instalación de vídeo, vídeo de alta definición, vídeo monocanal, color, sonido estéreo, 37’
La obra hace un retrato de unas amas de casa japonesas con ingresos superiores a los 100.000 dólares al año y que se sienten orgullosas de su estilo de vida lujoso y extravagante. La pieza se basa en historias/textos encontrados en un foro online, en el que las amas de casa relatan al detalle su existencia personal y su relación con el dinero que ganan y gastan, un tema sobre el que la mayoría de los japoneses dudarían en escribir públicamente. Sin cambiar una coma, Mori utiliza esos relatos y textos para dar forma a un guión en el que una sola actriz se encarga de representar a las veinte amas de casa. La caracterización realista de cada mujer va en función de sus propias palabras. El resultado es un singular vídeo en el que, con un humorístico sentido de la ironía, se denuncia una cierta realidad de la sociedad japonesa contemporánea. La pieza consta de 20 clips de entre 40 segundos y 4 minutos cada uno, con una duración total de 37 minutos.
Ana Navarrete (Valencia, 1965 / España)
Nadie se acuerda de nosotras mientras estamos vivas. Muerte, represión y exilio, (1931-1941), 2010
Archivo digital, impresión fotográfica, 90x300 cm
Nadie se acuerda de nosotras mientras estamos vivas. Muerte, represión y exilio, (1931-1941) es un portal web en construcción que pretende sumarse a las iniciativas que tienen por objeto recuperar y transmitir la memoria histórica.
Son muchas las iniciativas asociativas o fundaciones privadas y públicas para su recuperación en el territorio español y fuera de él y también hay una enorme memoria documental. Pero de toda la inmensa documentación que podemos consultar no encontramos archivos que constituyan una base de datos desde la perspectiva de las mujeres, sobre el papel de las mujeres en la construcción de la República, la posterior represión franquista y el exilio. Si repasamos la extensa bibliografía sobre el caso español apreciamos que el hombre es el eje central de los acontecimientos históricamente significativos. Y, sin embargo, nos topamos con muchos nombres de mujeres, muchas de ellas anónimas y olvidadas.
Tarja Pitkänen-Walter (Varpaisjärvi, 1960 / Finlandia)
Memory, (1980’s), 2009
Instalación pictórica sobre pared. Técnica mixta en tres dimensiones
La pieza alude a un recuerdo bastante cómico de la artista de su estancia como estudiante en la Academia de Bellas Artes de Finlandia en la década de los ochenta. Delante de unas coloridas telas, el profesor había colocado al tuntún, pero no sin intención, unas toscas cubetas y botes. Se suponía que los alumnos debían pintar una naturaleza muerta. En ese momento, ante el grosero modelo de bodegón, la artista sintió tambalearse su noción, tanto de la belleza como de la propia pintura. Si se asumía que la belleza debía ser un componente del cuadro, tendría que ser el espectador quien la encontrara. El resultado fue que, en las pobres manos de aquellos estudiantes, los cuadros acabaron representando unos botes y unas cubetas que a veces parecían volar por los aires y otras hundirse en la mesa.
Seguramente, aquellas naturalezas muertas de los ochenta presagiaban ya un cambio de actitud, una actitud contemporánea que estaba, de hecho, ya ahí. Valores como la sensibilidad, la calma, el cuidado se habían perdido. ¡Se diría que estamos hablando de las condiciones sociales que dominan en el momento presente!
Marjetica Potrc (Ljubljana, 1953 / Eslovenia)
Tirana - Designs for a New Citizenship, 2009
Papel pintado con 6 impresiones de chorro de tinta y 6 dibujos. Basada en la investigación llevada a cabo en el marco de Lost Highway Expedition, 2006. Cortesía de la artista y Galerie Nordenhake, Berlin/Stockholm
Tirana – Designs for a New Citizenship se basa en la investigación llevada a cabo por Marjetica Potrc en los Balcanes Occidentales en el marco de la llamada Lost Highway Expedition, o expedición de la carretera perdida, un proyecto de 2006.
La obra reflexiona sobre cómo rehacer el espacio público de Tirana, Albania, tras los cambios políticos que tuvieron lugar en la década de los noventa, un periodo caracterizado por un crecimiento de la ciudad nunca visto, en el que la rápida construcción de una ciudad informal por el ciudadano de a pie convergió con el proyecto del alcalde Edi Rama de pintar las fachadas de los bloques de pisos para crear un paisaje único. Los edificios pintados que flanquean las principales avenidas de la ciudad actúan de dos maneras: sus diseños deconstruyen la arquitectura moderna que ocultan y el lenguaje del dibujo se utiliza como en una performance única que expresa una nueva ciudadanía —un nuevo contrato social— para una ciudad en transición.
Grethell Rasúa Fariñas (La Habana, 1983 / Cuba)
Cubiertas de deseos, 2008-10
Impresiones fotográficas montadas en cajas de luces. Vídeo documentación (color, sonido estéreo, NTSC, Mini DV transferido a DVD, 2’13’’)
En Cuba existe una práctica que se ha hecho habitual: el remiendo. Éste, se ha convertido en un medio que se emplea para dar soluciones a cuestiones que están listas para ser reemplazadas. Es una manera de sacarle provecho, de exprimir al máximo lo que no da para más; es la estética de lo inestable que trata de resolver el momento. Las personas han priorizado soluciones de esta naturaleza a sus viviendas, ya que no tienen la posibilidad de resolver los problemas constructivos de las mismas. A pesar de que un buen número de edificios en varias zonas de la ciudad se encuentran en mal estado de conservación, muchos de sus habitantes siguen viviendo en ellos y se mantienen preocupados por embellecer su pedacito. Un engalanamiento particular, con los recursos y materiales que aunque no son los idóneos, tratan de cambiar la apariencia de su morada con la ilusión de encontrar una mejor. Cubrir el hueco, el churre con colores, con los que se tiene a mano, tapar el error, pretender hacerlo agradable, trae como resultado una visualidad especial, una imagen precaria que se devela como metáfora en su estado natural.
Analia Saban (Buenos Aires, 1980 / Argentina)
Collapsed Drawing: “Wheat Field with Sheaves (Van Gogh)”, 2006
Láminas de papel cortadas por láser y archivos de impresión digital cortados por láser, montado sobre cartón museológico, 82x104 cm
En la serie Collapsed Drawings, Saban trata de explorar el tema de la gravedad. Observando las líneas dibujadas, las pinceladas y las formas no como planos bidimensionales, sino como objetos en tres dimensiones dotados de su propio volumen y peso, la artista aspira a investigar la estructura de los dibujos: ¿qué ocurre cuando su estructura se desploma? Tras separar las líneas del fondo del dibujo, éstas se precipitan desde el marco sobre el suelo dando lugar a una composición aleatoria. En este caso, las líneas del hermoso dibujo Wheat Field with Sheaves de Van Gogh se transforman en una desorganizada acumulación de líneas escultóricas, alusivas al tema de la obra: el agavillado del trigo.
Y aunque este proceso analítico pueda parecernos destructivo, permite al espectador apreciar las pinceladas o los trazos del dibujo del artista como objetos complejos que merecen la atención y valoración que dedicaríamos a las propias obras de arte.
Roi Vaara (Moss, 1953 / Noruega)
Wet Paint Handshake, 2010
Performance-Instalación
Extender la mano para que el otro la estreche constituye un gesto de saludo internacional, una señal de respeto y amistad. Un apretón de manos es un acto íntimo entre dos individuos. En esta obra, la mano que se ofrece está húmeda, chorreando pintura blanca. Se trata de un gesto provocador y de un truco tan obvio como desafiante. En esta pieza, la expresión artística es situacional, expresándose a través de la interacción del artista con miembros del público.
Sus cualidades cambian de un momento a otro. Tras cada apretón, el performer se seca algo de la pintura en la parte delantera de su esmoquin. Al final, ese esmoquin arruinado, la documentación en vídeo y otros restos materiales del evento se expondrán como fruto del proceso.
Nico Vascellari (Vittorio Veneto, 1976 7 Italia)
Lago Morto, 2010
Instalación (proyección de vídeo, sonido, tres collages)
Lago Morto es una obra concebida para Rock – Paper – Scissors, una exposición comisariada por Diedrich Diedrichsen celebrada en 2009 en Kunsthaus Graz. Es también el nombre de la banda que el artista creó como contribución a la muestra. La banda, en la que Vascellari actuó como vocalista, recorrió durante dieciséis días consecutivos Vittorio Veneto, la pequeña localidad italiana donde reside.
La propuesta se plantea dar la vuelta a ese modelo de banda pop artificialmente creada, lanzada y manufacturada que la actual industria de la cultura utiliza para aprovecharse de la música popular de una forma particularmente despreciable.
La instalación consiste en una proyección de vídeo y una serie de collages. Los vídeos se grabaron en cada uno de los emplazamientos que albergaron las actuaciones del grupo durante la gira. Los collages incluyen bocetos de letras así como imágenes reunidas como fuente de inspiración, y también el material promocional creado por la banda, como fotos o un póster.
Todas las fotografías expuestas fueron tomadas por miembros del público con cámaras desechables.